Si se utilizara la expresión "blueswoman", sin duda ELLA, sería una ... Hoy reseñaremos la biografía y obra de la gran MEMPHIS MINNIE, quien supo ganarse un lugar en un mundo de hombres muy duros, siendo, como mujer con todas las letras, más ruda que todos ellos. Atravesó más de 3 décadas históricas del blues, grabó desde country blues hasta blues de Chicago, pasó por todos los sellos discográficos, un fenómeno! Además, era súper sexy, súper talentosa, cantante excepcional y guitarrista única, de pie...señores
Cuando decimos "Blues Europeo", lo primero en lo que se piensa es, naturalmente, Blues Británico, pero más allá de él, Europa continental, cuna histórica de la gran cultura, produjo muchísimo y muy buen blues...
Quizá a los europeos les cueste asimilar la idea de que existe un blues argentino o latinoamericano, pero a la inversa, AZOTEA BLUES te invita a empezar a cruzar un puente cultural y conocer blues de toda Europa. Pasaremos:
Sir Oliver Mally's Blues Distillery - Austria - Sameli Rajala & The Backstrokes - Finlandia - Oddvar Solheim & The Hard Luck Blues Band - Noruega -Marc Gaudry - Francia - Lubos Andrst With Reesie Davis (en la foto) - Rep. Checa -Krølle Erik - Dinamarca -Jean Jacques Milteau - Francia - Hobo Blues Band - Hungría - Jan Gerfast - Suecia - Fall in blues - Austria - Eiric Bergene - Noruega-Crossroadz - Rusia - Blues Wire - Grecia - Kasa Chorych - Polonia - Jan Spálený & Kalandra & Pavlícek - Rep. Checa - Clas Yngstrom Trio - Suecia - Breakout - Blues - Polonia -
Robert Crumb, uno de los cinco hijos del militar de carrera Charles V. Crumb, nace el 30 de agosto de 1943 en Philadelphia (EE.UU.) en un ambiente católico y conservador; con un padre de maneras violentas (le rompió la clavícula cuando tenía cinco años) y una madre fervorosa torturada por la culpa, Robert y sus hermanos tuvieron que aprender a evadirse rápidamente, y para ello nada tan a mano como aquellos tebeos que tanto les gustaban. Aunque ciertos biógrafos aseguren que Robert comenzó a garabatear hábil y espontáneamente con tan sólo tres años de edad, sabemos por contra que Charles -el mayor- obligaba a sus dos hermanos varones a ilustrar una y otra vez variaciones sobre la versión cinematográfica de La isla del tesoro (que les había fascinado), y fue gracias a él que Robert aprendió a dibujar rápido y bien ("Para salir rápido de eso", diría después en uno de sus muchos comics autobiográficos):
"Me gusta dibujar, eso es todo, es un hábito que tengo profundamente arraigado, y es debido a mi hermano Charles. Él fue quien empezó con todo esto de los tebeos cuando éramos unos críos; estaba obsesionado con ellos, no le interesaba nada de lo que hacen los niños normales, ni los juegos, ni los deportes. No hacía más que leer tebeos, dibujarlos, pensar y hablar de ellos. A mi me gustaba dibujar, pero además me interesaban otras muchas cosas además de los tebeos. Me gustaba dibujar escenas realistas con edificios, coches, cosas así; a él no le interesaba nada de esto, únicamente los tebeos. Nos reuníamos y hablábamos sobre tebeos. De hecho, la compañía de tebeos "El club de tebeos Crumb" éramos los cinco hermanos: Charles, Robert, Carol, Sandy y Maxon."
Por medio de Charles y su colección, Robert conseguirá asomarse muy pronto al mundo de la ilustración satírica, del que más tarde será una figura capital; en 1958 descubrirá la revista Mad, quedando así fascinado con gente como Harvey Kurtzman, Basil Wolverton y Bill Elder, que inspirarían claramente a Robert y Charles a la hora de crear su primer fanzine, Foo Crumb Brothers Almanac: Sátiras y Parodias (en referencia a los antiguos comics de Smokey Stover), donde un Crumb de quince años comenzaría ya a desarrollar uno de sus personajes más famosos, El Gato Fritz. Desgraciadamente, el proyecto Foo -editado originalmente en septiembre del 58- no tuvo el éxito esperado (realmente circularon muy pocas copias), y los dos disgustados hermanos quemaron la mayor parte de los ejemplares existentes. Por dedicarle toda su atención a esta afición suya, los Crumb se convirtieron pronto en unos "bichos raros" cuya vida social se reducía únicamente a enseñar su trabajo a sus compañeros de estudios y a venderlo por el vecindario (o al menos, a intentarlo).
Además del dibujo, Robert no tardaría en mostrarse enormemente precoz en otro aspecto que también le marcaría de por vida: la sexualidad, a la que despertó a tan temprana edad que -según cuenta él mismo- lo erotizaba nada más y nada menos que el Bugs Bunny de su más tierna infancia.... así como las botas de cuero de su tía y el deseo irrefrenable -y a veces satisfecho- de cabalgar sobre ellas. Semejante libido infantil, sumada a un carácter tímido e introvertido (y a una educación primaria de colegio católico que le enredó la psique -aún más si cabe- hasta convertirlo en un enano puritano reprimido y desorientado), no le facilitaron en absoluto las cosas a la hora de relacionarse con los demás (sobre todo con las chicas), de modo que cuando Robert llega a la escuela superior, se descubrirá incapaz de integrarse entre sus compañeros:
"Recuerdo que a los trece o catorce años, cuando intentaba ser un adolescente normal, hacía el ridículo. Intentaba comportarme como ellos y resultaba ridículo, muy extraño, de modo que dejé de intentarlo y me convertí en una sombra. Ni siquiera estaba allí, la gente ni siquiera era consciente de que yo estuviese allí, en su mismo mundo. Aquello me anuló por completo, ya que había desaparecido la presión por intentar ser normal. Me empecé a interesar por la música antigua, intentaba juntarme con los negros, iba de puerta en puerta buscando discos viejos, cosas de esas que resultan inconcebibles en un adolescente normal. Cuando tenía 17 años empecé a tener esa obsesión de que pasaría a la historia como un gran artista y de que esa sería mi venganza."
Esta actitud asocial acompañará a Robert Crumb en adelante y por siempre, provocando que -al menos hasta los veintitantos años- se sienta profundamente anonadado, reprimido y asqueado con todo lo que le rodea.
En octubre de 1962 la familia Crumb al completo se muda a Cleveland, donde Robert encuentra trabajo como ilustrador en la empresa de tarjetas de felicitaciónAmerican Greeting Card Company, en la que cada empleado dibuja una tarjeta tras otra como si de una cadena de montaje se tratase; al mismo tiempo, y para contrarrestar semejante y tediosa rutina, comienza a hacer sus primeros pinitos en algunas publicaciones underground como Yarrowstalks, realizando además ilustraciones y tiras semanales para el periódico The East Village Other de Nueva York. Al cabo de dos años de monótona existencia, conocerá a Dana Morgan para cumplir la profecía que antaño hiciera su padre de que se casaría con la primera mujer que encontrase (con quien tuvo un crío del que muy pronto se desentendió); mientras, el LSD hace aparición en su vida por vez primera para venir a cambiarlo absolutamente todo en ella.Por lo pronto, su manera de dibujar se torna en un estilo totalmente psicotrópico y surrealista (acorde a los tiempos reinantes), de modo que en 1967 -alentado por la reacción favorable que encontraron algunos dibujos suyos publicados en fanzines alternativos- decide trasladarse con Dana a San Francisco, epicentro del movimiento hippie y las comunas libertarias que por entonces se hallaba en pleno auge de la psicodelia y del llamado flower power. Sin embargo, y en palabras del propio Crumb, él no se sentía parte de ese ambiente:
"Dios sabe que lo intenté. Venía aquí todos los días e intentaba ser uno de ellos, naturalmente lo hacía para ver si me tocaba algo de todo ese amor libre, pero no me comía una rosca, me decían: — tú eres de narcóticos — y en las fiestas todos se apartaban de mí, ya que más o menos tenía el mismo aspecto que ahora. Recuerdo que una vez Janis Joplin me dio un consejo, me dijo: — Crumb ¿qué pasa contigo, es que no te gustan las chicas? —, y yo respondí: — Claro que me gustan las chicas, ¿que te crees? — y ella me respondió: — Pues entonces déjate crecer el pelo, ponte una de esas camisas de satén, una chaqueta de terciopelo, unos pantalones de campana y unos zapatos modernos y verás como funciona —, pero no podía hacerlo, todo aquello me parecía demasiado estúpido, no iba conmigo. Nunca fui un hippie auténtico, yo no era lo bastante guapo... quiero decir en espíritu; en mi espíritu habitaban oscuros demonios y los hippies lo sabían, ellos eran capaces de detectar tus vibraciones."
Será en este caldo de cultivo hippie donde Crumb se siga formando como artista: comienza a colaborar como profesional con otras publicaciones, entre las que se encuentra Help!, revista humorística editada por James Warren donde nuestro genio consigue realizar uno de sus mayores sueños: trabajar con Harvey Kurtzman, dibujante y creador de la revista Mad, al que Crumb considera como una de sus mayores influencias. Será en las páginas de Help! donde Crumb rescata y desarrolla el personaje de El Gato Fritz, una de las creaciones de su infancia y posiblemente la de mayor repercusión; muchos artistas que más tarde formarían parte del movimiento contracultural comiquero junto con Crumb (como Skip Williamson, Gilbert Shelton o Jay Lynch) también trabajarían en Help!.
Será también en San Francisco, a comienzos de 1968, donde Crumb publicará el primer número de su fanzine Zap Comix, considerado como el acta de nacimiento del llamado comic underground o comix; durante este periodo, Crumb siguió experimentando con el mundo de las drogas, consiguiendo a cambio algunas malas experiencias con el LSD que llevaron a Robert, sin embargo, a crear algunos de sus más famosos personajes, incluyendo a Mr. Natural. Zap Comix se convirtió en un gran éxito de la noche a la mañana, y aunque consiguió atraer la atención del público, desgraciadamente también atrajo la de las asociaciones feministas, que se quejaron repetidamente de que las mujeres que aparecían en los comics de Crumb no eran más que meros objetos sexuales; a su vez, la historieta de 1969 "Joe Blow", que apareció publicada en el número cuatro de Zap, llevó a Robert a los tribunales por obscenidad y por su tratamiento acerca del tema del incesto. A este respecto Richard Corben, otro adalid de las huestes hippies del comic tan venerado y discutido como Crumb, afirma:
"“Los setenta fueron también algunos de los momentos más difíciles para Crumb. En el número uno de Zap, publicado en 1968, Crumb creó una historieta de seis viñetas en la que aparecían unos personajes de pies enormes con una frase que rezaba el ya famoso Keep On Truckin' [Tira pa' lante].Ésta imagen se convertiría en un icono muy popular de la contracultura hippie y Crumb recibiría royalties durante años, pero un pleito judicial inesperado puso en duda los derechos de autor de Crumb (que nunca fueron registrados), y en 1977 un juez federal acabó dictaminando que Crumb había dejado caer la imagen dentro del dominio público, liberando así a aquellos que pirateaban su imagen de pagar cualquier tipo de royalties a Crumb. Después fue demandado (por la Oficina de Impuestos) a pagar una factura de hacienda por valor de 30.000 dólares (teniendo que marcharse momentáneamente a París a vivir mientras negociaba su retorno). Es por estas fechas cuando se divorcia de su esposa Dana."
Durante estos años, encontraremos repartido su trabajo entre decenas de revistas underground, entre ellas Uneeda, Big Ass, Motor City Comics, OZ Magazine, Dirty Laundry, XYZ y otras muchas; en 1968 el Gato Fritz consigue un espacio fijo en la revista Cavalier, desde donde salta a la fama, siendo también por estas fechas cuando Crumb dibuja la famosa portada para el disco Cheap Thrills de Janis Joplin and The Big Brother & The Holding Company, dándose así a conocer en todo el mundo. Pero Crumb no se siente cómodo siendo el centro de todas las miradas, de modo que, cansado de verse expuesto públicamente, rechaza realizar otra portada para los Rolling Stones, así como hacer una aparición como invitado en el popular programa de la televisión norteamericana Saturday Night Live, y se retira de la imagen pública:
"Ni hablar, no quería salir en Saturday Night Live, los Rolling Stones querían que les hiciera la cubierta de un álbum, tuve un par de propuestas así. Después de un año de reconocimiento, de la estupidez de la fama y todo eso, sencillamente dije: ¡a la mierda!. Empecé a dibujar en mis comics la parte más oscura de mí mismo, algo que hasta entonces había mantenido oculto."
Desde principios de los años 70, Crumb se instala en una granja de California donde, además de dibujar, cultiva su otra gran afición: la búsqueda compulsiva de discos antiguos de 78 rpm, recopilando una selectiva colección de miles de ellos fruto de su pasión por la música negra de antes (blues, jazz, honky tonk, etc.), pues no en vano pasó mucho tiempo de su adolescencia visitando las casas de las viejas abuelas negras sureñas en busca de grabaciones en vinilo de sus antepasados:
"Cuando oigo música antigua es de las pocas veces que siento una especie de amor por la humanidad. Es como oír lo mejor que hay en el alma de la gente normal. Es su forma de expresar la conexión con la eternidad o como quieras llamarlo. La música moderna no es así, es una pérdida lamentable que la gente ya no pueda expresarse así. En los años 20 y 30, antes de la explosión de la cultura de masas y los instrumentos eléctricos, florecieron en Estados Unidos y Europa gran número de compañías discográficas que producían toda clase de música en discos de 78 rpm. Había música bailable, blues, "jug bands" (grupos que tocan instrumentos no convencionales como jarras, botellas, etc.), country, folk y jazz. Existía una relación mayor entre músico y oyente en aquellos días, cuando uno aún se sabía las letras de las canciones. Hacia los años 40, los músicos profesionalesse habían desembarazado de todos los marginales, así como de gran parte de la imaginación y el ingenio."
En 1975, el Ministerio de Hacienda de los EE.UU. amenazó con confiscarle la famosa colección por no pagar impuestos, pero afortunadamente los amigos y fans de Crumb le mandaron -en respuesta a su elocuente petición de ayuda- el suficiente dinero para pagar el rescate. Además de para darle semejantes quebraderos de cabeza (y para conocer al guionista Harvey Pekar, con quien comparte afición por La Música y por los comics, dando lugar a un mano a mano en el American Splendor de 1976), la colección de discos también ha servido de musa inspiradora en la creación -en 1972- de una banda de swing, la Keep on Truckin´ Orchestra (posteriormente reconvertida en los Cheap Suit Serenaders), compuesta por el propio Crumb -banjo y vocales- y varios de sus amigos (Bob Armstrong -también dibujante de comics-, Allan Dodge, el realizador Terry Zwigoff, Tom Marion y Bob Brozman) en un variado surtido de instrumentos acústicos, incluido el serrucho. Son los Serenadersmúsicos caseros que, en calidad de amateurs, hacen sesiones en directo en clubs tan prestigiosos como The Village Gate de Nueva York y The Other Cafe en San Francisco, con un sonido campestre años 20 y 30 de raíces sureñas y múltiples influencias aderezado con letras cachondas rayando en lo absurdo.
Desde 1978 comienzan a editarse varios libros de bocetos del artista, pagando con los beneficios obtenidos por su publicación la enorme deuda que contrajo en el pasado con Hacienda; será en este mismo año cuando Crumb conozca a la que se convertirá en su segunda y actual esposa, la también dibujante de comics Aline Kominsky, con la tendrá una niña por la que Robert babeará en adelante. Para marzo del 81 (tras colaborar únicamente en diversas antologías) decide editar sus propios trabajos, dando a luz a la revista Weirdo (para la que dibujó gran parte de su producción durante los '80 y de la que coordinó junto con Aline veinte entregas alternas de las veintisiete que duró el título) y más tarde a Hup (1987), otro título en solitario esta vez con la editorial independiente Kitchen Sink, en manos del conocido editor underground Dennis Kitchen, que ya desde el 78 había recogido mucho del trabajo de Crumb en su revista independiente Mondo Snarfo.
Si durante los años setenta Crumb exorcizaba los demonios de su propia fama a través de toda una serie de revistas alternativas y minoritarias, los ochenta le verán luchar -con característica autoflagelación- contra la extendida idea de que ha pasado la flor de su vida y obra; todo el trabajo que nos ha ofrecido desde entonces -aunque más escaso- es la prueba irrefutable de que
nunca perdió su talento. De hecho, a mediados de la década la carrera de Crumb cosechó un gran reconocimiento público cuando sus dibujos comenzaron a aparecer en revistas de tirada nacional como Newsweek, People, etc., e incluso hizo una aparición en la cadena de televisión británica BBC; además, su obra se presentó en una de las más prestigiosas galerías de arte de la ciudad de Nueva York bajo el nombre "Psycadelic Solution", mientras que en 1990 el Museo de Arte Moderno de Nueva York incluyó su trabajo en una exposición llamada "High & Low" junto con trabajos de otros famosos dibujantes. Por si fuera poco, comienza a colaborar en prestigiosas revistas como Raw (dirigida por Art Spiegelman), mientras que -paralelamente a la realización de sus comics- inicia su sobria carrera como ilustrador tanto de discos compactos, colecciones de discos antiguos y barajas de antiguos bluesmen como de libros de Bukowski (El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco, 1993) o Zane Mairowitz (Kafka para principiantes, 1994).
Los años noventa cogieron a Crumb ya desencantado con la vida en los States, de modo que en 1993 se muda permanentemente de California a un pequeño pueblo del sur francés donde vive feliz y tranquilamente con Aline y su hija Sophie (a las que adora y venera en muchas de sus historietas) en una casa de campo que cambió a su propietario y admirador
personal por seis libros llenos de dibujos y bocetos personales. En 1995 -junto a su esposa Aline- edita dos entregas que aparecen bajo el título de Self-Loathing Comics, en las que esta peculiar pareja nos cuenta las experiencias de su también peculiar vida diaria en el pueblecito francés de Aveyron. Allí será galardonado en 1999 -en reconocimiento a su obra y trayectoria- con el prestigioso Gran Premio del Festival del Comic de Angulema, presidiendo el del año siguiente y auspiciando la exposición que se le dedicó bajo el título ¿Quién teme a Robert Crumb?, que fue motivo de polémica debido al cartel que se iba a emplear como imagen oficial y publicitaria del evento, autocensurado finalmente por mostrar un desnudo que al parecer "resultaba demasiado chocante".En abril de 1995 se estrena "CRUMB"; producida por David Lynch y dirigida por su amigo y violonchelista en los Cheap Suit Serenaders Terry Zwigoff, esta película/documental realiza una deliciosa y detallista disección de la vida y obra del artista de la mano del propio Crumb, que aporta su singular idiosincrasia y particular visión del mundo que le rodea, buceando en sus pasiones y obsesiones más recurrentes en un recorrido que atrapa, sorprende y sobrecoge por momentos al espectador.
Aunque la edad le ha calmado (ya no pone cuernos a sus mujeres -o casi- y no se droga desde hace tiempo -o casi-), se ocupa de su hija y ha vivido un crecimiento espiritual a través de la meditación, Robert Crumb continua inquietándonos "regularmente" con recuerdos de una imaginación febril y alucinada por la que apenas pasan los años, lo que todavía es de agradecer en el mundo de uniformidad mental global en el tanto él como nosotros vivimos. En la actualidad -y por desgracia- dibuja cada vez menos comics, mientras que (en contraprestación) aparecen con más frecuencia libros con sus bocetos e ilustraciones más intimistas, como son Miettes (Migajas), The R. Crumb Handbook (que incluye autobiografía, una enorme recopilación de viñetas y un cd con grabaciones del propio Crumb acompañado por diferentes grupos realizadas entre 1972 y 2003), los numerosos Crumb´s Sketchbook (diarios ilustrados) o Waiting for Food y Waiting for Breakfast, todos ellos magníficas muestras de un humor más irónico, refinado e hiriente, o si se quiere, simplemente más maduro y meditativo.
Uno encarna la figura del músico conservador de jazz, siempre impecable, dispuesto a delinear los límites de cada género, niño mimado de las revistas especializadas y número puesto en los Grammy. El otro es una leyenda del country, de la América forajida, la militancia por la legalización y empecinado defensor de la palabra “tocar” en vez de “ensayar”. Juntos, registraron dos conciertos en vivo, con la banda de Wynton Marsalis, la armónica de Willie Nelson y un repertorio de diez clásicos norteamericanos. Two Men With The Blues es el feliz e inspiradísimo recuerdo de esas noches.
Uno de chaleco y corbata, y el otro con un sombrero de cowboy y una suerte de colorida bufanda que opaca el hecho de que también lleva traje. Wynton con su trompeta, claro. Y Willie con Trigger, su destartalada e histórica guitarra. En la foto de portada de Two Men With The Blues, el disco que reúne por primera vez al jazzmen Wynton Marsalis con el héroe del country Willie Nelson, cada uno de ellos encarna el personaje que se han ido creando durante el transcurso de toda su carrera: el primero como el gran conservador del jazz, el segundo como un outlaw, o sea: un fuera de la ley. Aunque, claro está, ni uno ni el otro lo sean tanto. Porque si bien Marsalis ha sido recurrentemente puntilloso respecto a los límites del jazz más clásico, siempre que no han estado en discusión se mostró dispuesto a cruzarlos, trompeta en mano. Y porque, a sus 75 años, aún los gestos más rebeldes de Nelson –incluso su legendaria reivindicación del uso de la marihuana– a esta altura también son clásicos.
Acompañados por el habitual cuarteto de Marsalis –Ali Jackson en batería, Carlos Henríquez en bajo, Dan Nimmer en piano y Walter Blandig en saxo– con el agregado del armoniquista de Nelson, Mickey Raphael, estos dos hombres con el blues han logrado uno de esos discos que más se celebran: los que pueden alegrar tanto la noche del sábado como acompañar la mañana del domingo. Con apenas diez temas que abarcan lo más clásico del repertorio de la canción norteamericana –desde la inmortal “Stardust” de Hoagy Carmichael hasta “Rainy Day Blues” del propio Nelson, pasando por la tan blusera “Caldonia” como el no menos clásico “Bright Lights Big City” de Jimmy Reed–, Nelson y Marsalis se entregan a una auténtica fiesta musical, en la que tanto estrellas como músicos acompañantes tocan con una envidiable soltura, al punto de que incluso parece sencillo hacer lo que hacen. Y lo que hacen es música sin ninguna etiqueta.
“Las etiquetas fueron inventadas para poder vender la música”, dice Nelson. “Tenés que saber cómo llamar algo antes de poder venderlo. Así fue como al blues lo bautizaron blues, y lo mismo pasó con el jazz, bluegrass, gospel y lo que sea. Pero hay cierta música que lo abarca todo, con la que no hay etiqueta que valga. Y esa es justamente la que a mí me gusta tocar.”
COMO EN CASA
Cuando le preguntan qué significa tocar junto a Wynton Marsalis, Nelson sabe bromear al respecto, y al mismo tiempo ser preciso: “Me encanta tocar con él porque uno sabe que el pianista no va a llegar borracho, y sea lo que sea que resulte, va a valer la pena escucharlo”. Y agrega: “Estas canciones, hechas así, con este grupo... es algo que nunca se hizo antes. No importa lo que yo haga: si ponés a Wynton y estos tipos alrededor, eso lleva todo a otro nivel”.
Nacido en Nueva Orleans en 1961, hijo del pianista Ellis Marsalis y hermano menor del saxofonista Brandford, Wynton es –desde su temprana y contundente aparición en escena en los ’80– una de las grandes figuras del jazz moderno. Virtuoso y erudito, ha incursionado también en la música clásica, y no sólo es número puesto en cada ceremonia de los Grammy sino que también supo ser el primer músico de jazz en ganar un premio Pulitzer. Pero semejante currículum, por más contundente que sea, no puede menos que empalidecer ante la figura de alguien como Willie Nelson. Cuando la periodista Lorraine Ali de Newsweek les mencionó tanto a Nelson como a Wynton que su disco estaba siendo presentado como un encuentro entre dos iconos norteamericanos, Marsalis se apresuró a responder: “Yo no soy un icono, Nelson lo es”. Aunque Nelson no fue menos rápido al agregar: “Pensé que un icono era una de esas cositas en la pantalla de tu computadora. Yo no soy uno de ellos”.
Pero si alguien puede ser considerado un icono norteamericano, ese es Willie Nelson que, después de la muerte de Johnny Cash y Waylon Jennings, tal vez sea el último de las grandes leyendas vivas –junto a Merle Haggard– del country. Nacido en Texas en 1933, cuenta su leyenda que se consagró en los ’60 como compositor de hits para figuras como la inolvidable Patsy Cline antes de convertirse junto a Jennings en una figura de culto dentro del movimiento de los fuera de la ley del country de los ’70. De entonces y hasta ahora, Nelson –como Gieco– tocó con todos e hizo de todo, con sus altos y sus bajos. Pero últimamente parece estar en su mejor momento: no sólo apareció en la portada de la legendaria revista pro-marihuana High Times y lideró un reciente megaconcierto en beneficio de las víctimas del tsunami, sino que –aunque nunca fue mayormente conocido fuera de las fronteras de la música norteamericana– su versión de “Señor” (Tales of Yankee Power) en la banda de sonido de I’m Not There se destaca claramente dentro de ese virtual quién es quién de la última generación de la música anglosajona. Con 75 años recién cumplidos, lo más lógico es esperar que Nelson afloje un poco la marcha. “No creo que sea una buena idea”, responde. “¿Cómo es el viejo dicho? No mires hacia atrás, alguien puede estar alcanzándote.”
Cuando, en la misma entrevista, Lorraine Ali preguntó si era intimidante trabajar con semejante figura, Wynton tal vez haya revelado el gran secreto de la longevidad de su compinche Willie (y del disco que acaban de editar juntos, ¿por qué no?): “He estado alrededor de músicos toda mi vida, y participé de toda clase de shows. Cuando tenía 22 años toqué con una orquesta filarmónica... ¡Eso sí que fue intimidante! Pero este hombre es natural. Hace que te sientas como en casa”.
ALCANZA CON TOCAR
Con semejante repaso de la figura de Willie Nelson, ahora ya no suena tan extraño que los dos shows de enero del año pasado donde se grabó lo que terminó siendo Two Wen With The Blues hayan sido presentados originalmente como Willie Nelson Sings The Blues. Aquellas veladas formaron parte de una serie de conciertos bautizada como Singers Over Manhattan, algo así como Cantantes sobre Manhattan, un título que se refiere casi literalmente a la extraordinaria vista sobre la ciudad que se tiene desde el enorme ventanal que hace las veces de fondo del escenario del paquetísimo The Allen Room del legendario Lincoln Center neoyorquino, del que Wynton es el director artístico del área de jazz. “No me acuerdo cuándo fue la primera vez que tocamos juntos, pero fue en un concierto benéfico que celebraba al jazz y el blues, en el Lincoln Center. Además de Willie, los invitados eran Ray Charles, B. B. King y Eric Clapton. Y me acuerdo que, cuando ensayamos con Willie, entró y se puso a tocar directamente. No dijo casi nada de comienzo a fin del ensayo, y es algo con lo que bromeo desde entonces y se lo recuerdo todo el tiempo”. En realidad, lo más legendario de los ensayos de Nelson es que casi ni existen. “Willie no hace dos o tres tomas, sólo una. Con eso le alcanza. Y así es como grabamos: casi en vivo”, bromea el trompetista. Willie confirma la leyenda: “Si uno puede tocar, ¿para qué ensayar? Alcanza con tocar”.
Una de las consideraciones más recurrentes en las unánimemente elogiosas reseñas de Two Men With The Blues es la aparente reunión de agua y aceite que significa, a priori, un dúo entre ambos opuestos: entre el jazz y el country, entre tradición y rebeldía. Pero tanto Willie como Wynton desmontan rápidamente el posible enfrentamiento. “No necesitamos traducir nada de lo que hacemos, ya que venimos de la misma experiencia norteamericana”, dice Marsalis. “A las canciones que Willie escogió para tocar, como ‘Bright Lights, Big City’ o ‘Basin Street Blues’, no necesitamos hacerles ningún arreglo. Crecimos tocando eso. No hubo ni una sola vez que debimos detenernos para preguntarle: ¿Qué querés decir con eso? Estuvimos juntos todo el tiempo.” Nelson insiste en que los dos tocan la misma música, se llame como se llame. ¿Algún ejemplo de eso? “My Bucket’s Got A Hole In It”, responde Willie. “Siempre lo consideré como un tema country, hasta que me enteré que Wynton la toca a su manera... ¡y mejor que yo! Así que me di cuenta que esa canción lleva dando vueltas tanto tiempo, que hace mucho que cruzó la frontera de Texas.”
Conocedor de la historia de su género, Marsalis recuerda que el primer cruce entre el jazz y el country se remonta a los años ’30, cuando Louis Armstrong grabó junto a Jimmy Rodgers el tema “Blue Yodel No. 9”. Pero recuerda la extraordinaria vista de Manhattan desde el escenario del Allen Room para terminar resumiendo que, en realidad, Two Men With The Blues muestra el encuentro entre la ciudad y campo. “La armónica de Mickey Raphael es el sonido del tren, y nosotros somos el ruido de las bocinas de los autos”, dice en el video promocional del disco, señalando su trompeta. Y remata, refiriéndose a Willie: “La gente lo ama por su integridad”, explica. “Pero además por la cantidad de música que conoce. Es la verdadera definición de un músico de raíz norteamericana. Sabe de blues, de country, jazz, pop y música de Nueva Orleans. Y además es un músico natural.” Ahora bien: ya hicieron juntos un disco de blues, ¿para cuándo el de country? El que responde es Willie Nelson: “¡Es el que acabamos de hacer!”.
En octubre del año 2004 cuatro de las más grandes leyendas del blues se reunieron en Dallas (Texas) para brindar un espectáculo inolvidable. En ese momento sus edades iban de los 89 a los 94 años y habían recibido el "National Endowment for the Arts Heritage Fellowship Award", que es el mas alto honor en USA para las artes tradicionales. Estos músicos dedicaron su vida entera al blues y esa noche en el Majestic lo demostraron. Henry James Townsend, Joe Willie “Pinetop” Perkins, David "Honeyboy" Edwards y Robert Lockwood, Jr. nos visitan este viernes en AZOTEA BLUES!...por supuesto con su música.
Suelen aparecer genios del slide de a uno o dos por cada generación de bluesmen...
Desde los primeros acústicos de Son House, Blind Willie Johnson o Robert Johnson, la revolución de las primeras guitarras amplificadas con intérpretes como Elmore James o el propio Muddy Waters, pasando por Earl Hooker en Chicago en los 60 o los impactantes sliders del rock-blues de los 70 Johnny Winter o Duane Allman, hasta nuestro presente con la figura casi excluyente de Dave Hole (foto), el slide como técnica y estilo de viola ha tomado siempre un tinte distintivo.
Azotea Blues te presenta este viernes un recorrido de este estilo para guardarlo en tu memoria...
Esta es la única foto de Son House, Skip James y Mississippi John Hurt juntos.
Fue tomada en el backstage del Newport Folk Festival en 1.965.
Estos tres fenómenos venían desarrollando tres estilos bien diferentes del blues de Mississipi, y no se conocieron sino hasta que fueron redescubiertos, en los ´60 . Figura clave y artífice de todo esto: un tipo muy importante en el redescubrimiento del blues, Dick Waterman.
La historia será contada en nuestro programa del viernes 04.07.
En el verano de 1964, cuando los Rolling Stones se preparaban para grabar el primer disco enteramente compuesto por ellos, viajaron a Chicago, a grabar en los mítico-históricos estudios Chess muchos de los temas clásicos que ya habían incluido en sus primeros discos, junto a algunos que incluirían en obras posteriores. Por supuesto, el blues crudo estaba presente.
01.Junior Shuffle 02.Floyd's Guitar Blues 03.G.P.S.Boogie 04.Baby Please Don't Go 05.Soon Forgotten 06.Corinne Corinna 07.Hoochie Coochie Man 08.Howlin' Wolf
01.Blow Wind Blow 02.What's A Matter With A Meal 03.Kansas City 04.Caldonia 05.Screamin And Cryin 06.I Got My Mojo Working 07.Gabbage Man http://rapidshare.com/files/121971836/Muddy_Waters_Blues_Band_-_Warsaw_Sessions_vol_1_._1.zip | 90773 KB
Ineludible referencia cuando se habla de transformación del Blues del Delta en el Blues eléctrico de Chicago, el querido HOWLIN´WOLF ha sido recordado una y otra vez, casi tanto como Muddy, pero...
Cuáles fueron los temas por los que se hizo célebre? Cuáles sirvieron de inspiración a millones de blueseros y rockeros de todo el mundo?
Este viernes a las 22.00 te presentamos los clásicos de un genuino bluesman, que llevó la antorcha del fuego blusero a lo largo de 2 décadas y aún hoy nos conmueve y sorprende como la primera vez.
MIAMI (Reuters) - Bo Diddley, uno de los pioneros del rock and roll y cuya figura influyó a grupos y músicos que van desde Buddy Holly a U2, ha muerto a los 79 años, informó el lunes un portavoz.
Diddley falleció de un fallo cardiaco en su casa en Archer, Florida, según un comunicado del portavoz de su agencia, Talent Consultants International.
"Uno de los padres fundadores del rock and roll ha abandonado el edificio que ayudó a construir", dice el comunicado.
Diddley sufrió una apoplejía durante un concierto en Iowa en mayo de 2007 y fue hospitalizado en Omaha, Nebraska. El pasado agosto sufrió un ataque al corazón.
En sus más de cinco décadas de carrera, Diddley compuso clásicos del rock como "Who Do You Love", "Bo Diddley", "Bo Diddley's a Gunslinger", "Before You Accuse Me", "Mona", "I'm a Man" y "Pretty Thing", de la mano de la guitarra rectangular que se convirtió en el sello de su música.
En 1987 ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 1988 recibió un Grammy honorífico a toda su carrera.
Junto a contemporáneos como Chuck Berry y Little Richard, Diddley estaba entre los primeros músicos negros que lograron superar la segregación racial de Estados Unidos con una música que supuestamente era para blancos.
Nacido como Ellas Bates en 1928, tocaba el violín de niño. Tomó el seudónimo de Bo Diddley cuando se mudó a Chicago siendo un adolescente, y allí comenzó a tocar en los años 40.
Inspirado por el legendario clásico de John Lee Hooker "Boogie Chillen", Diddley usó sus habilidades con el violín para darle un sonido único a su guitarra, sentando las bases de lo que sería la música funk en los años 60.
Su ritmo y forma de tocar influyeron en varias generaciones de músicos de rock, desde Elvis Presley a Bon Jovi. Los 'Rolling Stones' Keith Richards y Ron Wood, así como el integrante de Bon Jovi Richie Sambora, tocaron en algunos de sus discos. A su vez, Diddley tocó con grupos como The Clash y The Grateful Dead.
El músico era conocido también por sus ayudas a su comunidad, en Florida. Padre de cinco hijos, expresó su preocupación por los jóvenes estadounidenses, y trabajó con la policía local para tratar de mantenerlos alejados de las drogas y las bandas de delincuentes.
Diddley seguía tocando en los últimos años, y siempre dijo que lo hacía porque necesitaba el dinero.
Los servicios público y privado tendrán lugar este fin de semana, indicó su agencia.
Para participar del concuso deberán enviar los nombres de los integrantes del trio MANAL (foto) a: azoteablues@gmail.com El ganador se llevará un auténtica armónica blusera.
' VALY'S BLUES ' Band en 'La BODEGA del Teatro Auditorium' Degustación de vino y quesos acompañada de buena música
Nuestros amigos de la VALY`s con el auspicio y los buenos oficios de nuestro brader SEBASTIAN CASELINO, giran por la "windy city" de nuestra zona!(que no es Chicago, sino Necochea, claro...) Capaz que una buena armónica los acompañe!
En la BODEGA del Teatro Auditorium, el Viernes 2 de Mayo a las 21,30 hs, 'VALY'S BLUES' Band, presentan temas propios y covers inspirados en M. A. Botafogo, Willie Dixon, Albert Collins, The Beatles, BB King.
En esta oportunidad el Country blues, Jazz y Rock&roll estarán presentes interpretados por OSVALDO MONTERO - guitarra y voz; DANIEL LORUSSO - bajo; PABLO SANCHEZ - batería y MARCELA MARTINEZ - piano y teclados . Todos ellos reconocidos músicos marplatenses.
Esta excelente banda se ha presentado en distintos escenarios, habiendo sido distinguida con una Mención especial como 'Banda revelación y mejor banda de blues y rock' en el Festival de Blues de Mar del Plata.
Reiteramos este Viernes 2 de Mayo a las 21,30 hs 'VALY'S BLUES' Band , en La Bodega del Teatro Auditorium.
Intro - Basically Jimi plays the first note with heaps of vibrato. He starts off with the volume control of his guitar turned right down, strikes the note and then brings the volume control up, so that the note rises to a scream.
vibrato F#7(#9) - I think - or otherwise its F#m7 ----------------|----5-x-----5-x-----5-5--------| ----------------|----5-x-----5-x-----5-5--------| -16-------------|-------------------------------| ----------------|--------4-4--------------------| ----------------|--------------------------2-3-4| ------------16\2|2-2-------------2-2-----5------| Thumb
Fo-xy And you know, you're a sweet little love-maker
F#7(#9) B ----5-x-----5-x-----5-5--------------| ----5-x-----5-x-----5-5-------4-4-x-x| ------------------------------4-4-x-x| --------4-4-------------4-----4-4-x-x| --------------------------0-2-2-2-x-x| 2-2-------------2-2------------------|
Fo-xy
F# E F# E 2---2---x-x-x-2-2|0-------------------|2---2---x-x-x-2-2|0------------------| 2---2---x-x-x-2-2|0-------------------|2---2---x-x-x-2-2|0------------------| 3---3---x-x-x-3-3|1--------2/7-7-9-7--|3---3---x-x-x-3-3|1--------3bu4-2-3--| 4---4---x-x-x-4-4|2--------2/7-------9|4---4---x-x-x-4-4|2-----------------4| 4---4---x-x-x-4-4|2-------------------|4---4---x-x-x-4-4|2------------------| 2---2---x-x-x-2-2|0-------------------|2---2---x-x-x-2-2|0------------------| Thumb
I wana take you Home I won't do you no Harm
F# E F# - strike chord and then cut off sharply 2---2---x-x-x-2-2|0---0------------|2-------| 2---2---x-x-x-2-2|0---0------------|2-------| 3---3---x-x-x-3-3|1---1------------|3-------| 4---4---x-x-x-4-4|2---2-----0-2-0--|4-------| 4---4---x-x-x-4-4|2---2-0h2-------2|4-------| 2---2---x-x-x-2-2|0---0------------|2-------| Thumb
You got to be all Mine Oooh! foxy lady!
The second verse is played much the same as the first, but with different embilishments is the chords - Hendrix seemed able to invent them on the spot.
El blues no es solo la música que emana de una guitarra virtuosa o de una armónica soplada por Eolo, el hijo de Hípotes.
Otros instrumentos y sus correspondientes interpretes aportan lo suyo.
WASHBOARD SAM (1910-1966), uno de los representantes esenciales del
Bluebird sound de Chicago, quien rascaba su washboard, fue muy popular
entre los negros de Chicago gracias a su estilo de blues jazzy lleno de swing y a su humor terriblemente contagioso.
JAMES "YANK" RACHELL (1910-1997), considerado durante mucho tiempo como un mero acompañante de Sleepy John Estes fue un gran bluesman que nos legó una magnífica obra grabada e influyó sustanciamente al blues de Chicago orquestal. Fue su tío Daniel Taylor quien le enseño a tocar la mandolina, a la que Yank le sacó un sonido muy bluesy.
JOHNNY OTIS (1921), hijo de una familia de inmigrantes griegos muy pobre, vivió toda su vida en el gueto negro de Los Angeles. Autoproclamado 'negro blanco' y 'padrino del rhythm & blues' montó el Johnny Otis Show con el objetivo de presentar ante la clase media estadounidense a las estrellas del rhythm & blues. Además de cantar, toca el vibráfono y la bateria.
Y también escucharemos a FRED BELOW (batería) y a QUEEN SYLVIA EMBRY (bajo).
Otis Spann, nacido en Mississippi en 1930, es el pianista de blues y boogie-woogie por excelencia (junto a Memphis Slim, todo sea dicho); llegó a Chicago con la misma edad que Little Walter en 1947, y estuvo militando en la banda de Muddy Waters durante dieciséis años (éste último lo llamaba su medio hermano), tiempo durante el cual grabó muchas de las piezas hoy clásicas del blues como "Hoochie Coochie Man" o "Blow Wind Blow". Además de tener una personalidad destacada dentro del grupo y ser un referente obligatorio para todos los teclistas posteriores, hizo multitud de colaboraciones con otros muchos músicos, como Fleetwood Mac en el disco "Blues Jam In Chicago", con el eterno rival de Waters, Howlin' Wolf en tres de sus temas más conocidos ("Spoonful, Back Door Man, y Wang Dang Doodle"), con Little Walter en el "Key To The Highway", y otros muchos como Sonny Boy Williamson, Chuck Berry, Paul Butterfield... Desgraciadamente nos dejó en 1970 a la edad de cuarenta años, no sin antes legarnos obras maestras como "Blues Never Die", "Chicago Blues", o "Cryin' Time". http://www.tabernablues.com/autores/otis.htm
Antoine Dominique Domino (Nueva Orleans, Luisiana, 26 de febrero de 1928), mejor conocido como Fats Domino, es un cantante, compositor y pianista clásico del R&B y rock and rollafroamerícano de los Estados Unidos. Durante los años 1950 y comienzo de los 60 fue el cantante de color que más discos vendió. Domino es también un pianista individualista con influencias del estilo boogie-woogie. Su éxito sirvió de impulso para los artistas de Nueva Orleans, llegando a influir en lugares tan insospechados como Jamaica (el ska jamaicano posee influencias de su música). La personalidad afable de Domino y su rico acento se suman a su encanto natural.
Antoine Fats Domino cumplió 80 años. No es una onomástica habitual entre los pioneros del rock and roll, que han ido sucumbiendo por el camino. Además, existen motivos especiales para celebrar su longevidad: en el verano de 2005, cuando las inundaciones desatadas por el Katrina arrasaron Nueva Orleans, se le dio por muerto durante varios días, hasta que un helicóptero le rescató de las ruinas de su casa. Se había negado a moverse, intuyendo lo que iba a ocurrir a continuación de la riada: lo poco que se salvó, fue saqueado.
Su drama no pasó inadvertido: el mundo de la música se ha volcado con él. Se ha lanzado un Grandes Exitos que junta sus números más conocidos en un solo CD. Una plétora de estrellas aparece en Goin' home: a tribute to Fats Domino, un doble disco con 30 versiones de sus éxitos, entre ellos: B.B. King con Ivan Neville's Dumpstaphunk, Taj Mahal and The New Orleans Social Club, Dr. John, Irma Thomas & Marcia Ball, Bonnie Raitt and Jon Cleary y muchos más.
Te contaremos algo (no mucho) de The Blues Foundation.
El origen de los premios W. C. Handy y también, porque no, de The Blues Music Awards.
Y por supuesto, escucharás algunos temas nominados en la categoría "Contemporary BluesAlbum ofthe Year" y "Song of the Year" correspondientes al año 2008.
Cuando sólo tenía 1 año de vida, producto de una enfermedad, perdió la visión. Tras obtener su primera guitarra, comenzó a emular a sus héroes bluseros, tales como, John Lee Hooker, Muddy Waters y Eric Clapton. Su primer álbum "See The Light", fue editado en 1988 por ARISTA, con John Rockman y Tom Stephem, en Bajo y Batería, respectivamente. El Lp incluía una versión del clásico de ZZ Top "Blue Jeans Blues".El músico falleció el domingo 2 de marzo en un centro de salud de Toronto, Canadá, tras un largo batallar contra el cáncer. Esa misma enfermedad lo persiguió durante toda la vida. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Jeff_Healey"
Después de su debut el 28 de Septiembre de 2006, la banda comenzó a trabajar en material propio, el cual hoy día consta de 7 temas terminados y 3 en formación, con el proyecto de grabar en mediados de 2008 un LP sólo con temas propios. Dr. Blues ya posee un disco editado de los primeros tres cortes propios y algunos temas de reconocidos autores, pero siempre dándole un toque personal a los arreglos musicales. Una de las características de la banda, es acompañar sus shows con diferentes artistas de renombre marplatense invitados, tales como Jorge Armani, Daniel Hoyos, Ignacio Subiros, Ignacio Di Martino, Charly Marmet, entre otros. La formación inicial de la banda fue variando según las influencias musicales y en la actualidad está conformada por:
Blues & Gospel II: Blues de Mississippi (por Gabriel Gratzer) Este artículo fué publicado originalmente en ell boletín de County Blues & Gospel Nº 4 del mes de junio de 2001
Continuando con el desarrollo del country blues por regiones, hoy repasaremos los nombres fundamentales de una de las más trascendentes zonas del country blues: Mississippi. Blues & Gospel II: Blues de Mississippi Ninguna región de los Estados Unidos ha desarrollado tantas y tan ricas formas musicales, poéticas e instrumentales como Mississippi. De Sur a Norte, de Este a Oeste, cada rincón de este Estado respiró blues.
EL COUNTRY BLUES Con sus más de 4000 km. de extensión, el Mississippi es uno de los ríos más caudalosos del mundo. A su vez, el Estado, que lleva el mismo nombre, fue reconocido como tal en 1817. El nombre significa "río de peces". Así es como era llamado por los Indio Algonquinos. Desde ya que Mississippi aportó muchos de los más trascendentes músicos de country blues de todos los tiempos y sobre cuyas espaldas pesa (aunque muchos de ellos nunca lo supieron) la responsabilidad de ser la columna vertebral de todo el desarrollo posterior del blues y de toda la música rock contemporánea. Algunos de los reportes escritos más antiguos sobre blues los recopiló el sociólogo Howard Odum entre 1905 y 1908 justamente, en Mississippi.Uno de los más representativos músicos de la región del Delta del Mississippi fue Charley Patton descubierto por el caza talentos H.C. Spier. Nacido en 1891 cerca de Bolton, Patton llevaba una típica vida rural, trabajando en la plantación junto a sus padres pero él sabía que eso no era lo que quería. Entre 1929 y 1934, año en el que murió, grabó cerca de 50 canciones. No sólo blues incluía su repertorio, también baladas, spirituals o danzas. Pero Charley Patton era, básicamente, un extraordinario intérprete y compositor de blues: la forma irregular del toque de su guitarra, su carácter vocal, muy "africanizado" y sobre todo el profundo sentido de su poesía.Claro que Patton no estaba solo en el área del Delta del Mississippi: Wille Brown y Eddie "Son" House de Clarksdale eran amigos y compañeros de ruta del gran Charley. Ambos tuvieron una corta carrera de grabación en los años de oro del country blues pero por fortuna fueron re grabados, Willie Brown en los '40 y Son House en extensión en los '60, además de ser filmado. La influencia de estos tres músicos sería decisiva para el futuro marcando los destinos de hombres y nombres como los de Robert Johnson o Muddy Waters.Una serie de músicos trascendentes de la región están asociados a dos familias: los Chatman y los McCoy. De los primeros surgió una de las String Bands más importantes de la historia: The Mississippi Sheiks, con más de 80 títulos grabados. Lonnie Chatman, Sam Chatman y Bo Chatman eran las partes más activas del conjunto cuya grabación del "Sitting on the top of the world" quedaría inmortalizada para siempre. Bo Chatman cuyo seudónimo era Bo Carter desarrolló, entre 1928 y 1940, una intensa carrera como solista que incluyó la más variada gama de blues con temática sexual. Además, el círculo de los Sheiks se completaba con el agregado de algunos invitados: Eugene Powell y Walter Vincson o Jacobs. De los McCoys, Charlie McCoy, excelente guitarrista, mandolinista y cantante asomó como el más activo y trascendente del grupo familiar. Asociado con diferentes músicos de la región que permanentemente solicitaban sus servicios, Charlie se mantuvo activo hasta la década del '40. Joe McCoy, su hermano, un gran guitarrista y cantante, ganaría fama al lado de su esposa la insuperable Memphis Minnie con quien grabó durante casi tres décadas. Algunas veces, en armónica los acompañaba su primo Robert Lee McCoy quién más tarde ganaría reconocimiento como uno de los más grandes guitarristas de blues de Chicago bajo el pseudónimo de Robert Nighthawk. A diferencia del country blues de Texas (boletín Nº3) los de Mississippi eran más extrovertidos y rítmicos. En la región de Jackson sobresalían dos músicos á los que Charlie McCoy había acompañado: Tommy Johnson e Ishman Bracey. El segundo fue, al igual que Charley Patton, descubierto por Spier quien arregló una sesión de grabación para él y su grupo de amigos en 1928. Así, Tommy Johnson comenzó su corta pero inigualable carrera de grabación para Victor y Paramount. Su manera de tocar la guitarra pero especialmente su forma de cantar oscilando entre su voz natural y su falsette, marcaron a toda una generación de músicos de blues. "Maggie Campbell Blues", "Canned Heat Blues" o el "Big Road Blues" se encuentran hoy en día entre los blues más versionados de la historia del género. Lamentablemente Tommy Johnson murió en los '50 víctima de los abusos del alcohol y Bracey se convirtió en pastor religioso y continuó cantando gospel y spirituals sin volver a grabar.Otros músicos de enorme trascendencia en la región fueron Mississippi John Hurt y Bukka White. Hurt fue grabado en dos sesiones para Okeh en 1928. Los 13 temas que registró incluían no sólo blues, sino repertorio religioso y baladas. Su voz dulce, rural y su estilo de fingerstyle guitarristico son de una gran belleza. Tras esas sesiones regresó a Avalon, su pueblo, para sumirse en el olvido del cual sería rescatado recién en los '60.Booker T. Washington alias Bukka White, murió en 1977, pero antes, en los '60, también gozó de un periodo de éxito viajando por los Estados Unidos y grabando discos. Originalmente grabó en el 30, luego en el '37 y más tarde lo hizo para la Librería del Congreso de Washington mientras se encontraba en prisión en los '40 donde se le registraron algunos blues de excelente factura, pero el tipo de blues que estaba tocando ya estaba fuera de moda y debió regresar al trabajo campestre hasta que fue re descubierto en los '60. Tanto guitarrista como pianista (grabó con ambos instrumentos) Skip James, (Nehemiah James), fue otro de los muy particulares músicos de la región. Normalmente su guitarra estaba afinada en tono menor (re menor abierto) y sus letras rozaban la morbosidad alcanzando el conjunto de su obra un nivel superlativo, pero sus grabaciones fueron hechas en el peor momento económico de los Estados Unidos y fueron un fracaso comercial. No obstante en los '60 también gozo de un periodo de reconocimiento gracias al revival del blues.Entre los muchos nombres de la región que grabaron y que enriquecieron el género podemos citar a William Harris, Joe Callicot, Kid Baley, el extraordinario pianista Charlie Spand, Freddie Spruell, Papa Harvey Hull, Jim Thompkins, George "Bullet" Williams, Willie "Poor Boy" Lofton, Blind Joe Reynolds, Blind Arvella Graves, Charley Taylor o Rubin Lacy por nombrar sólo algunos.
EL COUNTRY BLUES Y LA TRANSICIÓN AL BLUES URBANO Charlie Patton fue una influencia importante para músicos como Son House y Willie Brown, quienes a su vez marcaron a fuego el estilo de Robert Johnson, máximo referente para Muddy Waters. Como se ve, Mississippi tiene, como un árbol genealógico, muchas ramas que nacieron en el country blues y que llegan a nuestros días. Tras la época de oro del country blues y debido al profundo impacto que la gran depresión del '29 tuvo en la industria discográfica, muchos de los músicos vieron sus carreras truncadas. Algunos volvieron a sus antiguos oficios, otros cayeron en la bebida y en una muerte prematura y los más afortunados, emprendieron viaje a las grandes ciudades, especialmente a Chicago, en busca de nuevas perspectivas. Llegaron a la gran ciudad con su estilo rural, pero pronto, éste se endureció y lentamente se "urbanizo". Promediando los '30, toda una nueva camada de músicos rurales irrumpieron en la escena tocando los viejos country blues pero con un sonido "modernizado", más urbanizado, como contagiados de lo estaba por venir. Claramente influenciado por Charley Patton, "Big" Joe Williams fue uno de los máximos exponentes de ese periodo. Nacido en Crawford en 1903, comenzó tocando en una Jug Band pero en 1935 comenzó su carrera discográfica donde títulos como "Baby Please don't go" o "49 Highway Blues" se convirtieron en auténticos clásicos. Su inconfundible estilo (tocaba una guitarra de 9 cuerdas inventada por él mismo) se mantuvo inalterable hasta su muerte en 1982 tras grabar infinidad de veces, recorrer cientos de escenarios ante grandes audiencias y de ser filmado.Otros artistas que grabaron en esta etapa transitoria entre las raíces folklóricas y urbanas fueron Tommy McClennan, Otto Virgial y Robert Petway. Salvo Virgial de quien poco se sabe, los dos restantes tuvieron cierta reputación. McClennan grabó cerca de 40 títulos entre 1939 y 1942 entre los que encontramos muchos clásicos como el "I'm a Guitar King" o el "Cross Cut Saw Blues" que más tarde, en 1966, popularizaría Albert King. A Robert Petway se le atribuye la primera grabación del "Catfish Blues", otro blues que se inmortalizó en cientos de versiones incluida la re bautizada y famosa grabación de Muddy Waters de 1950 " Rollin' Stone".Otros músicos importantes en esta transición fueron Johnny Temple, Tony Hollins y especialmente. Robert "Junior" Lockwood. Nacido en Arkansas en 1915, tuvo la suerte de ser el hijo de la pareja de Robert Johnson. Por eso no extraña que sus primeras grabaciones para Bluebird en 1941 "Black Spider Blues", "I'm gonna train my baby", "Little boy Blue" y muy especialmente "Take a little walk with me", guarden estrecha relación con el estilo de su padrastro. Más tarde, en los '50, se convertiría en una de las piezas claves del blues de Chicago. Actualmente vive y es uno de los grandes que aún podemos disfrutar.Pero de todos estos nombres, el más trascendente sin dudas fue Robert Johnson. Nacido en Hazlehurst en 1911, desde muy joven mostró interés en la música siguiendo a sus músicos favoritos: Son House y Willie Brown. Su canto, a veces dulce otras recio y cínico, y sus brillantes, complejas y arrolladoras líneas guitarristicas fueron el espejo, el modelo para toda las generaciones futuras de músicos de blues. "Sweet Home Chicago", "Love in vain", "Walkin' Blues" o" Come on in my kitchen" eran todas versiones propias de viejos country blues de los '20 pero sus nuevas re creaciones marcaron un punto de partida, como si se tratara de nuevas composiciones. Grabó entre 1936 y 1937 tan sólo 29 blues antes de morir envenenado pero su legado musical abrió el camino para músicos que serían la antesala del blues eléctrico como el ya mencionado Lockwood, Johnny Shines, David "Honeyboy" Edwards, Eddie Taylor, Sonny Boy Williamson I y muy especialmente Muddy Waters. McKinley Morganfield - Muddy Waters-, fue encontrado por Lomax a mediados de 1941 iniciando de inmediato una serie de grabaciones de country blues extraordinarias que incluían a los Son Simms Four, Louis Ford, Percy Thomas y Charles Berry. El carácter rural de estos registros no impidió a Lomax percibir el enorme talento de Waters a quien volvió a registrar un año más tarde. El resto de la historia es conocida: una de las máximas figuras del blues de todos los tiempos: Muddy Waters.Otros músicos que pasaron por el country blues pero cuya identificación y desarrollo se relaciona con el blues eléctrico son, John Lee Hooker, fallecido el mes pasado, Elmore James o Arthur "Big Boy" Crudup cuyo "That's all Right Mama" Presley eligió para su debút discográfico para el sello Sun en los '50. Como se observa, el periodo que comprende la transición entre las expresiones folklóricas y urbanas tiene una gran riqueza y desarrollo en Mississippi donde la cantidad de nombres y la calidad de sus interpretaciones, justifica la denominación de "cuna del blues eléctrico" a esta región para lo cual bastaría nombrar más músicos como Big Maceo o Little Walter, Howlin' Wolf, J.B. Lenoir, Jimmy Reed y tantos otros que desarrollaron el blues eléctrico de Chicago.
FIELD RECORDINGS (GRABACIONES DE ARCHIVO) Durante la década del '40, la Librería del Congreso de Washington intensificó la búsqueda de material folklórico genuino para completar su archivo.Así, sumado a las primeras grabaciones no comerciales efectuadas a Muddy Waters o a "Honeyboy" Edwards, podemos agregar algunos nombres muy interesantes recopilados por los Lomax, John Work o Lewis Jones como: Lucious Curtis, Willie Ford, Richard Amerson, Vera Hall, Junior Turner Johnson, Will Storks, Sid Hemphill. Además de blues, estás grabaciones incluían hollers, baladas, danzas, etc.Otros artistas grabados en los años posteriores dentro del cancionero folklórico afroamericano en esta región fueron Scott Dunbar, K.C. Duglas, Fidlin' Joe Martin, Fred McDowell, Sam Chatman miembro de los Mississippi Sheiks en los '20 y '30, Mot Willis, Shirley Griffith o Mager Johnson por nombrar sólo algunos.
LAS BLUESINGERS Mississippi no se caracterizó por la enorme cantidad de cantantes femeninas de country blues pero si por su extraordinaria calidad. Mattie Delaney grabó tan sólo un 78 r.p.m. en 1929 para Vocalion no obstante se encuentran entre las más extraordinarias grabaciones realizadas por una mujer en aquellos años incluso al nivel de Memphis Minnie (ver Boletín Nº1). Elvie Thomas, Gessie Wiley, Mississippi Matilda o Louise Johnson tenían todas un estilo netamente rural, bien definido y diferenciado de sus antecesoras del blues clásico o de vaudeville. Otra gran cantante que encierra cierto misterio es Rosie Mae More quien grabara en 1928 junto a Ishman Bracey o con Bo Carter. Sin embargo, en otras grabaciones, como las que efectuó el mismo año con Walter Vincson, aparece como Mary Butler y aunque suenan definitivamente la misma cantante queda la duda flotando.
CONCLUSIÓN Tal vez, ninguna otra región de los Estados Unidos promovió tantas variantes musicales como Mississippi, por eso repasar sus nombres más importantes se hace imprescindible pues conocer estos hombres y mujeres es conocer una porción fundamental del country blues en especial y del blues todo, en general. Desde Charley Patton hasta Robert Johnson llegando a nuestros días, muchas de las bases del blues, y de toda la música contemporánea rock actual, sin dudas, se encuentran en la gran Mississippi.
DISCOGRAFIA ESCENCIAL DE MISSISSIPPI SUGERIDA El Country Blues Tommy Johnson - Document DOCD 5001 Son House & The Great Delta Blues Singers - Document DOCD 5002 The Greatest Songsters (Mississippi John Hurt) - Document DOCD 5003 Skip James - Document DOCD 5005 Charley Patton - Document DOCD 5009-5011 Ishman Bracey - Document DOCD 5049 Bo Carter - Document DOCD 5080-5082 Mississippi Sheiks - Document DOCD 5083-5085 Charley Patton - Document DOCD 5009-5011 Charlie Spand - Document DOCD 5108 Blind Roosevelt Graves - Document DOCD 5105 Mississippi Blues I y II (varios artistas) - Document DOCD 5157-5158 Bukka White - Travellin' Man 03 Las Field Recordings Field Rocordings (varios artistas) - Document DOCD 5577, 5578, 5588 Mississippi Blues (varios artistas) - Travellin' Man 07
El Country Blues de transición Arthur Crudup - Document DOCD 5201-5204 Johnnie Temple - Document DOCD 5238-5240 Johnny Shines - Tonny Hollins - Document 5270 Big Joe Williams - Blues Document BDCD 6003-6004 Walter Vincson - Blues Document BDCD 6017 Charlie McCoy & Joe McCoy - Blues Document BDCD 6018-6020 Tommy McClennan - Travellin' Man 06 & Wolf WBCD 001 Robert Lee McCoy -Wolf WBCD 002 Sonny Boy Nelson - Wolf WSE 109 Robert Lockwood & Robert Petway - Wolf WBCD 005 Las BluesingersMississippi Blues I (varias artistas) - Document DOCD 5157
Gabriel Gratzer: Con más de diez años de trayectoria en el Country Blues y el Gospel, Gabriel Grätzer es uno de los exponentes más importantes en la interpretación del género en el país.Abrió todos los shows de leyendas del blues de Estados Unidos que se llevaron a cabo en Buenos Aires desde 1998. Entre los más destacados músicos para los que Gabriel Grätzer ofició de telonero se encuentran Dave Meyers, Billy Branch, Eddie C. Campbell, John Primer, entre otros.Creó y dirige la primera Escuela de Blues de la Argentina.Sito Web del autor: http://www.gabrielgratzer.com.arContactar al autor: gabygratzer@fibertel.com.ar
Emitido por FM 88.7 de La Azotea
Mar del Plata - Argentina
Conducido por Carlos Pardo y Eduardo Rossi
Se retransmite por distintas radios de Argentina
a través de F.A.R.C.O. Sarelital
